人体之美：西方人体素描绘画研究

来源:用户上传      作者:

　　〔摘 要〕人体可以说是天然的艺术品，人体的外部构造集合了自然美之精华，几乎涵盖了一切有关美的标准。古希腊人认为人性中包含了神性，反之神性中也应有人性，无论在雕塑艺术上还是在运动场上都将人体美发展到了极致。人本身就是艺术，是具有智慧及生命力的艺术品，是大自然最伟大的创造物。
　　人体解剖学经过了文艺复兴前期以及文艺复兴以前的各个时代的研究积淀也在这一时期达到顶峰，这一成就直接为艺术家们创作关于人体的艺术作品提供了强大的科学背景和发展空间，西方人体素描绘画艺术在这一时期绽放出前所未有的光芒。
　　〔关键词〕人体；艺术；素描；文艺复兴
　　人类最早表现自己的艺术就是裸体的艺术，我们在那些史前雕刻、洞穴壁画、岩画中所见到的人类描绘自身的裸体形象虽粗略，但被视为人类婴儿时期的珍贵艺术。想象几万年以前的先民艺术家们随手拾起身边一块岩石画下那些黑色或红色极具概括性的人类形象，虽粗略却十分单纯，那是一种单纯的感动，就像——当你凝视日出时，看到那样的光线、色彩，心里有种复杂的东西在变化着。
　　古希腊时期，人们开始用一种原始科学的眼光认识大自然的美。毕达哥拉斯发现了黄金分割，比值为1：0.618，毕达哥拉斯学派把万物的本源追溯为“数”，并认为万物皆是数的不同排列组合。因此，以数学来衡量艺术变成了古希腊人的艺术准则，乃至后来影响了整个西方艺术的发展脉络。西方人把数学当作最美、最经典、最永恒的科学，在其他学科中也多引用数学内容。而艺术作为美的创造于是成为一种基于科学理性的技艺表达。
　　人体可以说是天然的艺术品，人体的外部构造集合了自然美之精华，几乎涵盖了一切有关美的标准。古希腊人认为人性中包含了神性，反之神性中也应有人性，无论在雕塑艺术上还是在运动场上都将人体美发展到了极致。人本身就是艺术，是具有智慧及生命力的艺术品，是大自然最伟大的创造物。
　　对于人体这一自然界中最完美的创造物，需用最感性同时又最科学的眼光去欣赏，去审视。爱琴海的海风给人们带来的不仅是智慧，还有体能，在这里从哲学家口中溜出一句：“人是万物的尺度”，便透彻阐明了人本身的重要性。
　　到了古罗马时期，建筑师维特鲁威践行了这一准则，并且以人的比例来衡量建筑：
　　“……如果一个人伸展着身体……手和脚呈交叉（X）姿势，以肚脐为圆心画出一个圆圈，那么……手和腳的端点都能外接到这个圆。”
　　——马尔库斯·维特鲁威·波利奥《建筑十书》
　　到文艺复兴时期，又一次大规模全面完美地继承了这一科学传统，在意大利最早的美术学院中将之运用于教学，把数学、解剖学、自然科学引入学院教学体系。达·芬奇根据维特鲁威的理论以及自己的个人经验重新提出人体的测量方式。圆的中心为肚脐，正方形的中心为生殖器。将一个人体同时内接在这两个几何图形中：圆圈中双腿岔开，正方形中垂直站立。并以维特鲁威本人为原型创作了《维特鲁威人体比例图》（1490年左右，现存于意大利威尼斯美术学院画廊）。
　　人体解剖学经过了文艺复兴前期以及文艺复兴以前的各个时代的研究积淀也在这一时期达到顶峰，这一成就直接为艺术家们创作关于人体的艺术作品提供了强大的科学背景和发展空间，西方人体素描绘画艺术在这一时期绽放出前所未有的光芒。
　　一、 演变
　　造型语言分为很多种，而素描——这一我们最熟悉的绘画形式，同时也是历史最为悠久的。素描的特别之处在于出镜频率之高，一种形式可分饰多角。它可以作为其他艺术创作前期准备的画稿草图；也可以是独立的单色造型艺术形式；对于学习美术的人来说，更是进入造型艺术领域基础中的基础，是把握绘画对象的轮廓、体积、结构、光影、空间、质感等训练的基本手段。
　　1.作为预备阶段创作工具
　　达·芬奇在《论绘画》中提到“一个画家应当描绘两件主要的东西——人，和他的思想意图”。在文艺复兴这个遍地开花的时期，诞生了任何一个时代都不能与之比肩的巨大数量的人体素描作品，需要知道的是，这其中相当一部分作品原本都不是为了画素描而画，而是为了辅助于其他创作所留下来的草稿草图，是为艺术家创作作品的前期所做的准备，以便下一步创作的顺利进行，此时，素描作为一种预备阶段的创作工具而存在着，并具有不可替代的重要作用。
　　我们所熟悉的这一类素描作品有很多，其中最著名的一幅是达·芬奇的《圣母子、圣安娜和小约翰》，正是他为了创作油画作品《圣母子与圣安娜》所作素描画稿。
　　2.作为独立艺术语言
　　20世纪现代艺术的发展为素描带来了一次解放，实现了身份的自由，从此素描无须再依附于任何其他创作形式存在，而是以自我实现为目标，素描自身的表现力得到极大的释放。
　　自素描转变为自由的创作方式开始，便不受任何约束尽情释放属于自己的能量，并以其自身独特的艺术表现力和情感传达能力，不被任何其他艺术形式所取代。印象派画家中造型能力的标杆德加曾说：“素描是艺术家最直接、最本能的表达——是一种特殊的书写，它可以比油画更好地展现出画家的真实个性。”
　　二、 线条与明暗
　　线条与明暗是绘画的两种基本表现手法或呈现方式，线条的方式出现较早，而明暗的方式出现较晚。线的表现方式注重在轮廓上寻找美的感受，视觉沿着事物的边缘行走，捕捉最动人的微妙转折；明暗的表现方式注意力则撤离边缘而转移到对于面的观察上，通过对事物表面光影的分析概括表达出生动逼真的视觉效果。
　　1.线条——以线为主，明暗为辅
　　人类最早使用的艺术语言是线条，线条是人主观情绪感受的直接宣泄，通常一气呵成无须再次反复加工，而情绪往往又直接作用于线条本身的表现，古今中外皆是如此。
　　善于线条表现方式的画家是：丢勒、鲁本斯、荷尓拜因、安格尔、梵·高、费钦等。 　　例如丢勒的素描具有明显的边缘线，内部多用短线条描绘，根据人物形体结构走向来排布，表现出扎实的形体体积感以及准确的解剖结构；鲁本斯的素描中曲线的重叠产生出强烈的空间感、动感和热情奔放的画面气氛；安格尔、荷尓拜茵的素描中线条纤细而精炼，具有一种“线性美感”，有时仅由一根线条就能传达出明暗所能表达的空间、体积、结构变化等一切信息；梵·高是一位善用线条来表达内心强烈情感的最好典范；费钦擅长在粗糙的纸上拉长线条，利用大透视的观察角度表现人体灵动的空间感，如图1所示。
　　2.明暗——以明暗为主，线为辅
　　在以明暗为主的素描中离不开色调对比，黑白作为主旋律统一着画面。通过黑白灰色调的对比和统一而形成特定的节奏韵律。光源在其中尤为重要，以光线的强弱来减弱或加强表现对象的空间梯度，形成鲜明的明暗节奏，画面感强，逼近真实状态。强烈的对比效果刺激人的视知觉，引起注意；柔和的效果使画面产生朦胧的美感。
　　善于明暗表现手法的画家有：伦勃朗、修拉、珂勒惠支、门采尔、杜米埃、苏派画家等。
　　在德国表现主义画家珂勒惠支的一些素描中采用的是底光源，陰影朝上，画面视觉感强烈，具有一种神秘感；修拉的素描完全采用面的方式来绘制，以黑白灰的色调分布来安排画面，看不到任何显现的线条却依然能分辨出人物形象和周围物体，体现出一种特殊的朦胧美感，如图2所示。
　　结语
　　素描的历史就是美术史的历史，每一种风格特征都有它特定的时代背景，每个时期的人体素描作品都会创造出属于自己的面貌。背后包含大众的审美趋向、民族性格特点、地域文化特征乃至气候因素对性情的影响，这些都成为素描这一最直接的艺术方式所呈现出来艺术面貌的成因。
　　自原始绘画、古希腊雕塑、文艺复兴时期那些伟大的人体绘画杰作、古典主义时期的人体绘画、浪漫主义和现实主义时期的人体素描作品中深刻体现着人体作为艺术最重要的载体所发挥的巨大作用。
　　不同时期的艺术家们借人体素描展示着自己最卓越的绘画才能，宣泄抒发最直接最透彻直达内心深处的情感。
　　（责任编辑：杨建）
　　参考文献：
　　[1]张俊， 素描[M]. 浙江人民美术出版社， 2011年7月.
　　[2][法]丹纳， 艺术哲学[M]. 江苏凤凰文艺出版社， 北京华语联合出版有限责任公司， 2018年9月.
　　[3][意]威廉·德隆·拉索， 人体[M]. 北京出版集团， 北京美术摄影出版社， 2017年6月.
　　[4][美]朱丽叶·阿里斯蒂德， 西方学院派素描教程[M].上海人民美术出版社，2017年5月.
转载注明来源:https://www.xzbu.com/7/view-15140391.htm