时尚和艺术谈场恋爱

来源:用户上传      作者: 李孟苏

　　时尚爱上了艺术

　　2006年圣诞节期间，路易威登全球360家专卖店的橱窗同时亮起了一只金色的眼睛瞳孔。这只“瞳孔”是丹麦著名艺术家奥拉维尔・埃利亚松（Olafur Eliasson）专为路易威登设计的灯饰作品“眼看你”（Eye See You）。晚上，灯里打出接近阳光的金黄单色光，过于强烈的光亮让周围所有的景物呈现出黑白照片的观感，走近去看它，你的眼睛也因为它而变得魔幻诡异。他的另一件作品“你看着我”（You See Me）也在纽约第五大道的路易威登专卖店同步开始永久性展出。2005年10月，巴黎香榭丽舍大街路易威登旗舰店重新开张，埃利亚松为其创作了作品“无知无觉”（Votre Perte des Sens）。
　　埃利亚松仅仅是路易威登热心赞助的艺术家之一，在香榭丽舍旗舰店的7楼，更是一家美术馆，开业以来已举办若干次主题艺术展，展出了多位艺术家的作品。它楼下的6层店面，也装饰得像画廊，工作人员小心翼翼地站在不远的角落里，挂着警卫的表情，似乎在无声地提醒顾客：你看到的可是有文化价值的东西。
　　时尚和艺术，原本是社交圈里暗自较劲的两个名人，若是在鸡尾酒宴会上不期而遇，谁也不会屈尊上前跟对方打招呼，只当对方是透明。在英格丽・斯西（Ingrid Sischy）看来，没什么奇怪的，“在谈论视觉语言的时候，大家从来都会把时尚自动摘出去。老话说了：时尚是艺术的敌人”。斯西曾把三宅一生的头像放在她任主编的《Artforum》杂志封面上，艺术家们出离愤怒，斯西回忆说，大家简直都疯了。艺术和时尚彼此心存傲慢与偏见，在设计师眼里艺术家过于放荡不羁，而艺术家则不屑一顾设计师们的精致、矫揉。偶尔，对立关系会有缓和，比如伊夫・圣・洛朗从画家蒙德里安的作品中汲取灵感，推出了震惊世界的“蒙德里安”系列。但这样的成功例子屈指可数。
　　英格丽・斯西曾任《访问》、《名利场》主编，一心想把时尚和艺术撮合在一起。1996年，她和古根海姆博物馆当代艺术馆资深策展师杰曼诺・西朗特（Germano Celant）、卢吉・塞特姆布里尼（Luigi Settembrini）联手策划了佛罗伦萨双年展。在主展厅中央，时装作品和艺术作品并肩而立，缪西亚・普拉达挨着英国“坏小子”艺术家达米恩・赫斯特，阿齐丁・阿莱亚身边的是导演、画家朱利安・萧贝尔，吉阿尼・范思哲紧邻波普艺术大师罗伊・利希滕施泰因（Roy Lichtenstein）。这个展览将艺术和时尚联合在一起，似乎宣告说设计师和艺术家是平等的，具有里程碑式的意义。实际情况是，展览中的一些搭配是设计师和艺术家私下里协商好的，有一些配对则互相掐得不亦乐乎，还有一些伴侣在展览完后就不认识了对方，各走各的阳关道。有评论家说，这个展览真是自命不凡，自说自话，愚蠢到顶了。相比之下，时尚业更重视这种联手合作，欢呼时尚与艺术跨界合作的新时代就要来了。模仿美术馆来布置店堂，就是时尚界向艺术圈表达崇敬的最高方式。
　　于是，思泰拉・麦卡特尼钻进老爸家的地下室翻箱倒柜，找出著名水彩画家盖瑞・休谟（Gary Hume）的作品，请他设计了一批限量版T恤衫。维维安・韦斯特伍德直接把马蒂斯的名作印在了自己的服装上。路易威登的举动特别引人注目。早在2001年，路易威登的设计总监马克・雅各布斯就委托英国插图画家朱莉・弗尔霍文（Julie Verhoeven）设计2002春夏手袋系列，称赞她的设计天马行空，非常奇异。接着又找到日本艺术家村上隆，推出了樱花系列手袋，获得极大成功，成为时尚和艺术跨界合作的最成功范例。亚历山大・麦克奎恩请来电影导演约翰・马布里为其新装秀制作影片。

　　双赢的跨界合作

　　麦卡特尼曾经邀请水彩画家大卫・拉姆弗莱（David Remfry）为其时装画广告，她赞扬艺术家的观点使得时尚产品更加人性化。很重要的一点她没有说出来，时尚加入了艺术元素，流行的时间就超过了一两个季节，有了收藏价值。时间一久，成为古董装、古董包，在拍卖会上是能拍出好价钱的。
　　进入21世纪，艺术圈集体放低了身段，似乎抛弃了成见，渴望与时尚业对话、交叉，希望拧成一股绳共同受益。美术馆热情洋溢地献出店堂，展览时尚设计作品。艺术家们纷纷在各大品牌提供的新画布――皮草、棉布、丝绸上实现艺术理想。
　　艺术家越界时尚设计，切实改变了现实处境。装置艺术家杰西卡・奥登（Jessica Ogden）说:“靠艺术作品我真没法活下去，所以我就得不断地把我的艺术感觉注入到时尚业中去。”话音刚落，她就开始了和法国大品牌APC的合作。毕业于圣马丁艺术学院的插图画家唐雅・凌（Tanya Ling）也有一个时装系列，和她的绘画作品一样出名，她丈夫称之“具有美术馆的雅致风尚”。弗尔霍文和路易威登的合作让她在时尚界一炮成功，意大利时装品牌Gibo立刻请她设计2003春夏成衣系列。虽然她总说画画是主要兴趣，但还为约翰・加利阿诺和马丁・斯特伯恩工作过。
　　弗尔霍文认为，时尚应该经过艺术砂纸的打磨，设计师、艺术家，都是创作者，跨界对他们是个好事，能为创作发现新的视点。同时，“这样两个领域里的人都不能舒舒服服地睡大觉、不求上进，也不能再自以为是”。
　　艺术圈和时尚界沟通和争论的中心问题是：艺术家该做什么，设计师又该做什么？各自如何看待自己的创作？二者之间有没有相似之处？差别又在哪里？
　　“从此以后，我不再问自己‘艺术是什么’这样的问题了”，纽约现代美术馆建筑和设计馆馆长说。他的馆内仅有一件展品是衣服，西班牙设计大师马瑞阿诺・佛坦尼（Mariano Fortuny）的作品。他认为答案很简单，有些事情时尚能做得到，艺术却做不到。“艺术和时尚最大的区别是功能”，策展人克莱尔・韦尔考克斯一针见血地指出。她曾于2003年在伦敦维多利亚和阿尔伯特美术馆担任吉阿尼・范思哲设计回顾展的主管。“设计是项手工艺，功能是针对人体的，它和艺术的目的不同。”她强调，时尚必须具有实用性，否则就是废物。
　　弗尔霍文也说，艺术和设计虽然是对立面却关系亲密。“艺术创作完全是自我放任的行为，你不用考虑别人的想法。但时尚设计完全不同，由着性子来就太可怕了。如果把艺术那一套不由分说放在时装上，服装业就要抓狂了。”

　　不可能平等的关系

　　2003年，比利时设计师拉芙・西蒙（Raf Simons）在佛罗伦萨举办了一个摄影展，名字干脆叫做《热情欢呼吧：时尚引诱了艺术》。
　　从这里，可以看出，在时尚和艺术的关系中，时尚占上风。时尚圈更自恋，除了自己谁都不爱。1998年阿玛尼曾说他的作品“完全能够和20世纪最有影响的艺术作品并肩”。时尚集团都是大财团，对艺术更多的是出钱赞助。可可・夏奈尔曾赞助多位艺术家，阿玛尼这种在时尚界呼风唤雨的大佬是艺术品的主要收藏者，范思哲大量收藏了安迪・沃霍尔和利希滕施泰因的作品。Hugo Boss集团于1996年以自己的品牌冠名设立一个艺术奖项，向德国古根海姆博物馆提供赞助，每年奖励一位成就卓越的当代艺术家，奖金5万美元。钱不多，但Hugo Boss奖是重要的当代艺术奖项，获奖艺术家从此在艺术品交易市场上有了影响力。
　　汤姆・福德接受《i－D》杂志采访时，慷慨赞美欧普艺术家阿尔斯沃茨・凯利（Ellsworth Kelly）:“创作出它们太难了，我不知道我有没有精力做这样的事。”故作谦虚的口气中掩饰不住优越感。多娜・卡伦也从蒙德里安的绘画中汲取灵感，有一次在巴黎，勉强被她的最新一任丈夫拉去参观毕加索美术馆。在美术馆里，卡伦走马观花地在每间屋子穿行。一会儿，她丈夫听到妻子从另一间展厅里传来的惊呼，跑过去看见卡伦正对着一面赤裸的绿色墙壁大呼小叫，说，多么美丽的颜色，可以用在下一季的女式内衣。如果你问她，时尚是艺术吗？她一定会用英超球队利物浦俱乐部前主教练的话回答:“有人说足球事关生死，我说足球比生死还重要。”她这种自命不凡的态度代表了相当一部分时尚业人士的看法。一些艺术家们不甘示弱地反唇相讥：就算时尚整体地艺术化，设计师全部艺术家化，它也不是艺术。

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